Thiết lập âm nhạc chuyển động

Sáu nghệ sĩ giải thích cách họ sử dụng hoạt hình để mang âm nhạc vào cuộc sống cho mùa giải 2020 của Dàn nhạc Thính phòng Úc.

PBabbC4D 12 Tháng 7, 2020

Rất lâu trước khi Dàn nhạc thính phòng của Úc phải hủy bỏ mùa lễ kỷ niệm năm 2020 tôn vinh lễ kỷ niệm 30 năm của Giám đốc nghệ thuật Richard Tognetti do COVID-19, cơ quan truyền thông của ACO, Moffitt.Moffitt, đã yêu cầu studio motion Sydney, Substance thiết kế một bộ hoạt hình đặc biệt để làm nổi bật ý nghĩa của mùa.

Được thiết kế xung quanh sáu tác phẩm âm nhạc khác nhau do các nhạc sĩ ACO lựa chọn, các hoạt ảnh được tạo ra bởi Người sáng lập và Giám đốc sáng tạo Scott Geersen của Substance, hợp tác với năm nghệ sĩ motion hàng đầu mà anh ấy đã khai thác trên khắp thế giới— Nidia Dias, Helen Hsu, Rory McLean, Rich Nosworthy và Martina Stiftinger.

Được thực hiện bằng nhiều công cụ khác nhau, bao gồm Cinema 4D, Houdini, Redshift, ZBrush và Maya, các thiết kế của hoạt ảnh cũng được sử dụng cho tất cả các khía cạnh của chiến dịch năm 2020 của ACO, bao gồm cả báo in và phương tiện kỹ thuật số, áp phích, chương trình, trang web và các kênh xã hội . Mặc dù Substance cộng tác thường xuyên với Moffitt.Moffitt, đây là trải nghiệm đầu tiên của studio khi làm việc với ACO. Geersen giải thích: “Dự án này thực sự dựa vào rất nhiều ý kiến ​​đóng góp từ chính các nhạc sĩ vì họ đều viết ghi chú hoặc phỏng vấn ngắn về lý do tại sao họ chọn từng bản nhạc.

Một phần của ý tưởng cho hoạt ảnh như một sự hợp tác toàn cầu là âm nhạc đến từ khắp nơi trên thế giới, giống như nhiều nhạc sĩ ACO làm. “Và các cuộc phỏng vấn và ghi chú của họ rất quan trọng đối với chúng tôi vì chúng tôi có thể hiểu sâu hơn về ý nghĩa của các tác phẩm theo quan điểm của mỗi nhạc sĩ,” anh nhớ lại. “Chúng tôi có thể nghe thấy điều đó qua giọng nói của họ. Nếu chúng tôi chỉ tự mình tạo ra các hình ảnh động, chúng sẽ trở nên khác biệt vì thông tin đầu vào của chúng mang tính cá nhân. ”

Geersen nói rằng, việc nghiên cứu các tác phẩm âm nhạc cũng là một phần quan trọng của dự án. Người đăng ký ACO chủ yếu là những người đam mê muốn hình ảnh phản ánh những gì ẩn chứa đằng sau âm nhạc, vì vậy Substance đã nghiên cứu mọi thứ từ lý lịch của mỗi nhà soạn nhạc đến lịch sử và môi trường chính trị trong đó mỗi tác phẩm được viết. Tất cả nghiên cứu đó đã được chuyển cho các nghệ sĩ tham gia vào dự án, cùng với ghi chú của nghệ sĩ, tài liệu tham khảo trực quan và yêu cầu sử dụng màu theo mùa năm 2020 của ACO, màu vàng. Mục đích là những người đăng ký ACO sẽ nhận ra mối liên hệ giữa âm nhạc và hình ảnh, những người đăng ký mới sẽ bị hình ảnh thu hút và muốn tìm hiểu thêm.

Geersen nhớ lại: “Chúng tôi muốn cung cấp cho mỗi nghệ sĩ một điểm xuất phát, nhưng phản ứng với âm nhạc có thể khá cá nhân, vì vậy điều quan trọng đối với ACO là mỗi người chúng tôi phải đưa ý tưởng của riêng mình vào hình ảnh của mình.” Ngoài quyền tự do sáng tạo, các nghệ sĩ cũng đánh giá cao rằng hình ảnh họ tạo ra không chỉ được sử dụng cho hoạt ảnh mà còn cho chiến dịch in năm 2020 của ACO. “Hiếm khi chúng ta có thể tạo ra vật chất, nhưng trong trường hợp này, tất cả chúng ta phải nắm giữ những gì chúng ta đã tạo ra trong tầm tay,” anh nói.

Hợp tác chặt chẽ với Moffitt.Moffitt, Substance và năm nghệ sĩ khác đã hợp tác sử dụng Slack và Dropbox để mọi người có thể xem từng người đang làm gì. Geersen đã giúp định hướng công việc của mỗi nghệ sĩ trên tác phẩm của họ đồng thời tạo hoạt ảnh của riêng anh ấy cho Bài hát của trái đất của Gustav Mahler. “Chất cắt giảm các bản nhạc đầy đủ để trở thành những khoảnh khắc dễ nhận biết và sau đó mỗi nghệ sĩ đưa ra sở thích của họ,” anh nói. “Có được sự lựa chọn đó rất quan trọng bởi vì mục tiêu của sự hợp tác là cách âm nhạc nói với tất cả chúng ta, các nhạc sĩ và nhà thiết kế”.

Lấy cảm hứng từ cách giải thích của nhạc sĩ ACO Maja Savnik về sáng tác của Mahler, Das Liede von der Erde, Geersen đã chọn một thiết kế hoạt hình mô tả sự lạc quan và sinh sôi trong một khu vườn hoa nở đầy sức sống siêu thực và “vở ballet của những giọt sương, cánh hoa và côn trùng được trang sức bằng ngọc”. Ông nói, Redshift’s AOV’s rất quan trọng để phát triển giao diện. “Bởi vì không có màu thực trong bản thân các textures. Tất cả mọi thứ trong cảnh đều được làm bằng vàng phong hóa, vì vậy tất cả màu sắc đều đến từ ánh sáng phản chiếu ”.

Cũng giống như một nhiếp ảnh gia sẽ sử dụng gel màu, Substance sử dụng thiết lập ánh sáng ba màu cùng với ánh sáng đi qua để xây dựng và tăng cường hiệu ứng trong comp. Geersen cho biết: “Khả năng kết xuất, không chỉ là vẻ đẹp, mà cả phản xạ và thông số kỹ thuật đi qua mỗi ánh sáng, đã mang lại cho chúng tôi một lượng hướng nghệ thuật xử lý hậu kỳ đáng kinh ngạc,” Geersen nói và nói thêm rằng họ cũng sử dụng nhiều HDRI trong mỗi cảnh quay để quay các hiệu ứng khác nhau. “Nhưng chúng tôi chỉ cần kết xuất một lần nhờ vào cách hoạt động của ánh sáng trong Redshift.”

Đối với Francesco Geminiani’s La Folia, nhà thiết kế 3D Rich Nosworthy có trụ sở tại New Zealand đã tập trung vào ý tưởng rằng bố cục có cấu trúc cao, về cơ bản là tiền thân của các bản sắp xếp âm nhạc hiện đại hơn ngày nay. “Chúng tôi nghĩ rằng sẽ rất thú vị nếu hoạt hình dựa trên các dạng hình học cứng, thay đổi và di chuyển theo nhạc, tạo thành và kéo các hình dạng lớn hơn ra khi tác phẩm tiến triển,” anh ấy giải thích rằng anh ấy đã sử dụng các vòng lặp đệ quy và Boolean bên trong Houdini cho hầu hết các hoạt ảnh.

Nosworthy đã sử dụng công tắc đổ bóng của Redshift để kết hợp các bộ đổ bóng khác nhau trong hình học, cũng như một số thuộc tính hình học để phân phối ngẫu nhiên và điều chỉnh màu sắc và kết cấu của các bộ đổ bóng khác nhau. Ông nhớ lại: “Redshift đã cho chúng tôi rất nhiều quyền kiểm soát bằng cách cho phép phát triển nhanh các bức ảnh của chúng tôi cùng với khả năng dễ dàng thay đổi màu sắc hoặc kết cấu của bất kỳ tác phẩm nào tại một thời điểm cụ thể. “Tôi thậm chí còn có thể tạo các mặt nạ và mặt nạ tùy chỉnh khác nhau, lấy các thuộc tính khác nhau từ hình học, trộn các giá trị và chuyển chúng thành các đầu ra thứ cấp cho comp. Mức độ kiểm soát tùy chỉnh đó là điều mà tôi đã phải vật lộn với rất nhiều trình kết xuất trong quá khứ. ”

Ngay từ đầu, Nhà thiết kế kiêm Giám đốc Martina Stiftinger người Anh và Áo đã bị cuốn hút một cách sáng tạo bởi Vaugn Williams ’The Lark Ascending. Cô ấy dựa trên khái niệm hình ảnh của mình theo cách mà bố cục “bắt đầu rất phong phú và toàn thân, sau đó phát triển một sự nhẹ nhàng, thoáng mát tuyệt đẹp.” Cô ấy đã chọn một chiếc lông vũ duy nhất làm phương tiện để hình dung trải nghiệm thăng hoa đó và thiết kế của bộ quần áo được lấy cảm hứng từ bối cảnh của Williams là một nhà soạn nhạc người Anh kết nối với nông thôn và nghệ thuật mục vụ.

Quá trình phát triển hình ảnh bắt đầu với việc làm nổi bật và tôn vinh chiếc lông vũ vì yếu tố anh hùng và thiết lập đường nét được sử dụng để xác định cấu trúc lông vũ phức tạp cho các bức ảnh macro, cận cảnh và toàn cảnh. Việc làm giàn cho chiếc lông vũ khá đơn giản, vì trục chính được tạo khung hình chính và hoạt hình bằng tay trong Maya. Các barbules được mô phỏng dựa trên các ràng buộc của chúng với trục. Stiftinger nhớ lại: “Tính năng cho phép bạn hiển thị các đường cong trực tiếp dưới dạng Redshift Curve Object là rất tuyệt vời. “Đó chính xác là những gì tôi cần cho kiểu thiết lập hoạt ảnh này.”

Redshift cũng giúp quy trình làm việc của cô dễ dàng hơn, đặc biệt là trong quá trình thiết kế và phát triển giao diện khi hình dạng, bảng màu và vật liệu thay đổi rất nhiều, tùy thuộc vào yêu cầu và cân nhắc thẩm mỹ. Cô giải thích: “Các tùy chọn PostFX của Redshift, như phân loại màu, quản lý màu và LUT (bảng tra cứu) rất hữu ích cho việc thiết kế hình ảnh điện ảnh trong chế độ xem kết xuất.

Rory McLean, một nghệ sĩ 3D tự do ở Úc, đã chọn tạo hoạt ảnh cho Shostakovich’s Chamber Symphony. Với mục tiêu “đại diện cho sự áp bức của nhà nước Xô Viết bằng một mô tả trừu tượng về kiến ​​trúc áp đặt theo chủ nghĩa tàn bạo”, anh ấy giải thích rằng vì anh ấy phải nhanh chóng lặp đi lặp lại các hình dạng và thiết kế của các khối xây dựng, nên việc mô hình hóa phù hợp và mở từng phần là không. thực sự là một lựa chọn. “Thay vào đó, tôi đã xây dựng mọi thứ từ nguyên thủy và cắt các hình dạng mong muốn bằng cách sử dụng Booleans,” điều này giữ mọi thứ theo quy trình cho phép anh ấy thay đổi mọi thứ rất dễ dàng và nhanh chóng.

Một vài công cụ Redshift cũng giúp mọi thứ diễn ra suôn sẻ. McLean kể lại: “Với phép chiếu TriPlanar, tôi không cần phải có tia cực tím đẹp trên mọi thứ. “Tôi chỉ có thể ném một vật liệu PBR lên hình học Boolean, và kết cấu trông hoàn hảo ngay lập tức.” Bộ đổ bóng Rounded Corners của Redshift có nghĩa là anh ta không cần phải vát tất cả các cạnh cứng trên hình học, “điều này sẽ cực kỳ khó hoặc không thể đối với hình học Boolean lộn xộn đó,” anh nói và nói thêm rằng công cụ đổ bóng Curvature cho phép anh ta tạo ra một mặt nạ cho mép mòn hoặc thâm.

Giám đốc Helen Hsu có trụ sở tại Thượng Hải đã chọn bản giao hưởng Eroica của Ludwig van Beethoven. Biết rằng tác phẩm ban đầu được viết về Napoléon trước Cách mạng Pháp khi Beethoven thất vọng với người cai trị, Hsu đã chọn một sự kết hợp của các yếu tố hình ảnh gợi ý về chiến tranh, những người cai trị và tự do.

Hình ảnh động được thực hiện bằng sự kết hợp của nhiều phần mềm khác nhau, ZBrush và Substance Painter cho vương miện, Daz3D để làm bàn tay và X-Particles để tạo hiệu ứng. Hsu đã sử dụng Marvelous Designer để mô phỏng lá cờ nổi bật và mọi thứ được hiển thị trong Redshift, mà cô ấy đã sử dụng trong vài năm qua.

Nidia Dias là một giám đốc nghệ thuật và nhà thiết kế ở Bồ Đào Nha. Hoạt hình trong  Arvo Pärt’s Tabula Rasa của cô ấy được lấy cảm hứng từ ghi chú của nhạc sĩ ACO mà cô ấy giải thích rằng “Thiên tài của Pärt đang tiếp xúc với thể chất và thần thánh theo một cách hấp dẫn như vậy”.

Làm việc với sự cộng tác của chồng cô, Martin Gunnarsson, họ đã nảy ra ý tưởng tạo ra một sinh vật thần thánh của riêng họ, có thể chảy theo âm nhạc nhưng không bị ràng buộc bởi bất kỳ tôn giáo cụ thể nào. Cô giải thích: “Ý tưởng là đơn giản hóa nó thành những đường xoắn / đường thẳng có thể di chuyển tự do trong không gian vô tận này, và chúng tôi sẽ mang lại sự sống cho sinh vật này, giống như những đường tròn này là đôi cánh, bay theo điệu nhạc.

Trong khi Dias xử lý chỉ đạo nghệ thuật, thiết kế và phát triển giao diện bằng Cinema 4D và Redshift, Gunnarsson sử dụng Maya cho việc mô phỏng và gian lận. “Redshift là một công cụ tuyệt vời để sử dụng cho dự án này bởi vì dựa trên GPU, nó rất nhanh đối với các nhà phát triển giao diện,” cô nói. “Redshift cũng rất hữu ích vì chúng tôi đang sử dụng splines làm hình học chính và nó hiển thị các splines bằng cách thêm một thẻ đối tượng,” cô tiếp tục. “Đó là một dự án tuyệt vời để tham gia, không chỉ hoạt hình mà còn cả cách hình ảnh được sử dụng trên các áp phích và tờ rơi của ACO.”

Meleah Maynard là một nhà văn và biên tập viên ở Minneapolis, Minnesota.

Redshift là renderer (render engine) đầu tiên trên thế giới được phát triển để tập trung hoàn toàn vào việc tăng tốc GPU, giúp tăng tốc render GPU mạnh mẽ với chất lượng cao. Được thiết kế để hỗ trợ các cá nhân và studio sáng tạo ở mọi quy mô, Redshift cung cấp một bộ các tính năng mạnh mẽ và tích hợp với các ứng dụng CG tiêu chuẩn công nghiệp. Với dịch vụ Gpuhub của iRender, chúng tôi hi vọng có thể giúp người dùng Redshift đạt được hình ảnh chất lượng với tốc độ render nhanh hơn nhiều.

Nguồn: Redshift3d.com